Markets. Who doesn’t love them?
Stocks, fleas, Christmas, so many things to buy! But none scratch quite the same itch as the Helper’s Market here at the HSLU.
What’s for sale here, you may ask? Experience. The third years and master students, who by now are hard at work with their graduation projects, show us what they’ve been cooking all this time. They get up on stage, show their animatics and tell us how students and alumni alike can sign up to help their projects come true.
I can’t talk about these projects in detail just yet, so I decided to interview the third years and get the scoop on the behind-the-scenes process. The nitty gritty stuff. What do they do when the teachers aren’t looking? How do they organize themselves? What’s their favourite colour?
So join me as I get down to brass tacks with members from the upcoming «Gahts no Lang?» and the team behind «Weird Receptionist».

How has it been like organizing, scheduling, and working on a project of this scale?

«It‘s equally exciting as scary sometimes. On the one hand you get to spend a year trying to make your ideas come to life, on the other you have to commit to them for an entire year.
It‘s also been a big joy working with a new constellation of the sweetest people who also happen to be amazing artists!»

Sven Kristlbauer, director of «Gahts no Lang»

«I would say I don‘t really think about it that way, it is just the next step. We did short projects, then a 6 month one and this one is a year. That is a step but there will be more of these! But it is truly amazing.»

Marion Zeder, Gahts no Lang

«Probably a bit different for every team but for us it was the most stressful at the start (might be because of the nature of our movie, which had no defined story at the beginning).
Once we had the story set, it became way easier but was still a lot to handle with all the meetings and deadlines. Most teams we talked to were agreeing with us on it being stressful due to having a lot of things going on at the same time.
Now that we are in/transitioning into the production phase, where we know what we want the project to be like, it has become quite chill, and we are having a lot of fun.»

Sina Lerf, Dario Marti & Dario Boger, a.k.a. Team Reception

Any unexpected challenges so far?

«This is the first time I‘ve been directing a group of people on my own, which sometimes means I spend a lot of time putting ideas into words to get them across to all the people involved. Being the director also means making a lot of decisions, which is very fun and creatively fulfilling, but also daunting at times.»

Sven

«Having to organize a lot, plan for other people than me or the 3 of us and include having to make interviews and decisions about people that are way more talented than us in their own field.»

Marion

«Idea finding…
As stated before, we might be a little edge case, but we had a hard time of figuring out our story. We had the world, and we knew what we wanted as a rough outline for the story – a reception and crazy guests. But having to write a story while having already a pretty clear image on the setting/the frame was way harder than expected.
We ran in circles for almost 2 months straight, building a story, reworking it, salvaging the parts we liked and restarting again (might not have been of much help that we got a lot of conflicting feedback, too).»

Team Reception

The bachelor film is a big project. What drove you to tell this story?

«Real life experience and the fact that people are very weird (not in a bad way) and that the resulting interactions are fun :)»

Team Reception

«Sven pitched this idea. He‘s the director and writer and I personally just felt like I could relate a lot to the topic and story. Also, visually it is a very cool style, I really wanted to be part of this!»

Marion

«I just hate driving and love toy designs from the 2000s to be honest.»

Sven

Was there anything you learnt from working on previous projects (1BA, Idents, etc.) that you brought over to this one? (Work ethics, communication, skills, anything you can think of!)

«Phew a lot to be honest, you always learn stuff for future projects! I did some 3D blocking for the ident to help with the more complicated perspective stuff. And I did an internship in the 4th semester that taught me a lot about TV Paint and animating in general. Those two things helped in a major way I guess :)»

Sven

«Communication is key. You don‘t have to speak 100% of your mind, but if you are part of a group and something is bothering a team member or making it hard for all, people need to talk and figure out how to go on with it if not fixing it.»

Marion

– How to work in a team
– It matters how you and your teammates vibe with each other 🙂
– Animation doesn’t have to always be done in the perfect way. It can be rougher if the style/story fits it.

«It has to be fun and if the quality suffers a bit under it it’s okay 🙂 It’s a school project in the end (our approach). »

Team Reception

How was your first Helper’s Market like?

«The first helper‘s market was intense, I was interested in a lot of projects, and it was hard to decide, but on the other hand, I didn‘t feel confident enough about what I could do to help, or to ask more tasks, because I was afraid to fail or to do something wrong for someone else‘s project. Intimidated as well as inspired.»

Marion

«It was crazy that we already got to see it from the other side. I felt nervous at first, but seeing the people react to our animatic was very fun. It was kind of the first bigger test screening we had.»

Sven

«Our first Helper’s Market we attended:
Very cool to see what the 3rd years are cooking and what is going on in the 3rd year. Seeing all the projects was inspiring (very nice projects) but at times it would have been fun to give feedback to the movies (but it was too scary o.0)
Our first Helper’s Market we held:
At times it can be weird working on the project, and you lose a bit the perspective of who you are even making this film for. And seeing so many people laughing/enjoying watching the animatic was inspiring and reassuring for us (but also again scary since we have only shown the animatics to people who knew the project from the beginning… but also scawwy)
So all in all the Helper’s Market for us was fun to attend (seeing our classmates current state of the project was also a nice bonus)»

Team Reception

Is there any piece of advice you wish you could tell your younger self?

«I don‘t really know. I worked a lot to make progress. Maybe too much. Have more rest and keep some free time to enjoy with friends, family or anyone that matters to you!» – Marion
«Be ready for the pitch of your idea. Have at least a general plan of how the story could unfold, doesn’t have to be the final version but any guideline for entering preproduction helps. (this comes from us suffering for 2 months because we were struggling finding a coherent story that implemented all the things we wanted)»

Team Reception

«Worry less.»

Sven

And lastly, what’s your favourite colour?

«Oof, I don’t know. Blue maybe?»

Sven

«I like Coral. Or Turquoise. Or purple. Is it a real question after all? (I can‘t pick I want to use them all)

Marion

«#8777E6 #E37D5B #5BA8E3
ik we are just too funny»

Team Reception

There you have it! The Helper’s Market is just one out of many milestones the third years have to reach on their way to a finished film. To get out there and tell a story takes guts, but it takes a village to finish it. Storyboards, animatics, scripts, voice acting, soundtracks, sound design, rough animation, clean-up, colours, backgrounds, compositing…

The amount of people involved in these productions is huge, and to be given the chance to participate in these crazy projects is a huge honour. I wish the third years well and I can’t wait to see the finished films.

It’s been a long semester. Us first years have wrapped up our final projects for the semester after having had a taste of 2D, CGI and Stop Motion. Meanwhile, the second years have wrapped up something even bigger… an ident for Adult Swim!

Usually, these presentations happen at the end of the semester (hence the name «Semester End Presentation») but this time, they were hosted a week before the final deadline so everyone could get a little extra feedback they could try implementing with the time they had left (or for their future projects even).

This year, we’ve got a huge variety of amazing films, ranging from the cute and sweet to the macabre and weird. If you wish to see them yourself, they’ll be screened at the International Trickfilm Festival of Animated Film (ITFS for short) in Stuttgart, alongside other animated films from the Bachelor’s and Master’s programs.

Apocalypse Playset

First one was «Apocalypse Playset» (dir. Markley Cahn von Seelen, Mykolai Filevych, Alain Fleury, Ole Niemann, Jeongeun Park), a charming CGI/live-action ident in the style of a toy commercial. Everything from the cute gardens with perfectly vertical vegetables to the evil mutant rats was stylized with a plastic sheen to really sell that toy look. One of my favourite details were the monitors in the background of some shots. They were modelled after glued-on stickers! Growing up with Legos, I’m used to the occasional decal one would have to carefully place during builds every now and then and small touches like these really help convince you this is a real toy commercial.

But you might be wondering «wait, this all sounds very CGI, didn’t you say this had live action elements?» Here’s the kicker, there was a live-action hand that was green screened into the animation to interact with the toys!

Personally, I’m a bit biased because my girlfriend played the hand model for this one – one day they just approached her while she was washing dishes in the animation kitchen and said, «Pretty hands there, wanna help?» (I’m paraphrasing here, but it was more or less like this according to her).

Jokes aside, this just goes to show how collaborative and spontaneous the process can be at this school.

Claw Me

Up next came «Claw Me» (dir. Ana Sofía Aillaud Trasviña, Irina Georgiadou, Cheyenne Gia Klossner, Inna Soroka, Ysabel Steiner). I think we’ve all been there, folks. We desperately want a plushie from a claw machine, but it’s slipped away from us. No matter how hard we try, it escapes our grasp!

The idea for the short was born when Cheyenne, the director of this ident, visited Japan. She was inspired by all the arcade cabinets she encountered in her time there and returned to school with new ideas. They clearly resonated with people, because this was easily the largest group of the bunch with five people on board! Due to the size of the group, the teachers encouraged them to go crazy. Go big or go home as they say… and they went BIG, but as one of the members of the project so succinctly put it:

«Dream big, but if you dream big that means you have to work more.» – Irina

This was exemplified with a shot they dubbed “Shot 666”. It’s a crazy perspective shot, and Irina, the storyboard/layout artist, fought hard to keep it in. It required lots of planning and reference footage – but the end result speaks for itself.

One thing I should mention is that after every presentation, the groups would receive individual feedback by each of the teachers and an associate from Adult Swim who was connected via Zoom. This was another of the highlights for me. Being connected to industry professionals from across the globe is very exciting, but what is even more exciting is when they are drinking some kind of mystery sludge on a big cinema screen. Kino.

Zombie Golf

Zombie Golf (dir. Jessica Eugster, Fabian Betschart, Dana-Elena Binică, Gian Widli)  – bam, what a title! Need I say more? It’s zombies golfing in the apocalypse, c’mon! This one was one of my personal favourites. Unlike most idents, this one is a blend between stop-motion and CGI and the behind-the-scenes process for this one was wild.

First, of course, is the stop-motion animation. But, as usual with stop-motion, before you get to the animation part you got to build things first. For this, they decided to build them out of foam latex which involves a very fragile and delicate process involving molds and what not. It was easy to get many imperfections during this, but for zombie puppets this was perfect.

Now that the puppets are ready the team was ready to finally animate but how do you go about making a somewhat seamless blend between two mediums? Very careful planning. Lots of it.

On the CGI side of things there were some challenges too. 3D is finnicky because, for something like this, it’s too perfect. How do you replicate the imperfections of stop-motion in a software that can produce the best, most optimal results? How do you get textures that match the textured realism of stop-motion?

The team tried many things, but it seems like the best solution was the simplest. After getting nowhere trying to replicate the textures of the stop-motion set, they tried taking a picture of the set and using that as a texture… and it worked! To quote one of the team members:

«Keep it simple, stupid.»

Simple solutions such as colour grading or adding film grain in post-production worked wonders to blend both styles, giving more credence to this simple wisdom.

Dinner Date

If you had your fill with the man-eating zombies then wait till you get the bill with the next ident, «Dinner Date» (dir. Iara De Jong Goncalves, Anna Müller) . We’ve all been in bad dates before. Don’t you sometimes wish you could bite their heads off? This is what the duo behind this ident sought to answer with their quirky yet gory homage to the UPA style of animation.

They were faithful in trying to replicate the look of cel animation, going to great lengths to ensure its authenticity. The ident was formatted in 4:3 instead of the standard 16:9, the quality of the video had been slightly blurred, as if recorded from an old VHS tape but Jürgen Haas, a veteran from the era and the lead of the animation department, pointed out some slight inaccuracies. Guess you can’t fool a trained eye.

For these idents, the school collaborates with the music department of the «Zurich University of the Arts» to provide music as well as «Speech Academy» who bring the characters to life with their voice acting. The music in this short was definitely a standout with how jazzy it was but also due to the slight horror undertones they managed to sneak in as the ident ramped up to its bloody finale.

A funny anecdote the team shared with us was the fact that everybody at Speech Academy wanted to voice the femme fatale protagonist «Lily Mantis», yet no one wanted to voice her smarmy and pathetic date, «Chris Fly».

As a little gift, the team ordered some stickers based on the short, including one for Chris Fly! Perhaps we can give him the love he (doesn’t really) deserve.

The Legendary Treasure

«The Legendary Treasure» (dir.  Benjamin Gilli, Emanuel Strehler, Jiani Fei, Jonas Opderbecke, Sina Mazziotta) is a fun take on Indiana Jones and Greek Mythology. An intrepid adventurer runs for his life, chased by a giant creature, dodging past spikes and fire and what not.

The style for this ident was inspired by contemporary 3D projects such as Spider-Verse and, primarily, Arcane. As the other big group of five, they decided to go big too, trying to give their own spin to the show’s iconic style.

But before they get to that they have to model their stars first. The monster wasn’t much trouble however the human was quite the adventure to get right. Making a stylized human was more difficult than expected. He often slipped into the uncanny valley and getting the texturing done for him was quite difficult.

At first, the team tried experimenting with some procedural shaders to get the painterly look but just like the artist behind Arcane, they had to resort to painting everything by hand.

Something that was nice to see were the various team building activities they did outside of animating. They visited adventure rooms (though there was no legendary treasure at the end of these), shared snacks and just overall seemed like they had a great time.

Los Limpiadores

Next group was «Los Limpiadores» (dir. Mártin Alfredo Allmendinger, Tifany Perera, Marija Simovic), an ident about two cleaners suddenly forced to face an extraterrestrial creature. The film was a kind of ode to the wonderful janitors at our school who face an even scarier monster than the one in the ident… the wacky shenanigans of a school full of art students. Makes me shudder to even think about it.

Again, a little bit biased here due to myself being involved in this one as the voice of one of the janitors. Just like the other collaboration with the second years, this one was very spontaneous. I was just asked randomly by one of the team members while on the bus and well, the rest is history. Now my screams of terror as I try to fight off a horror beyond my comprehension will be immortalized forever.

Development on this film wasn’t as smooth as some of the others, given that it had over a dozen different animatics. It was a tough road to reach a vision the entire team agreed upon. They had to wrangle new software and faced technical difficulties with the old ones they knew, but by the end their hard work paid off.

Open Wide

«Open Wide» (dir. Jérémie Jayraj Itty, Mona Joana Gassner, Suwoo Kim, Viktoriia Vasylets) was, well, what other way to put it other than widely beloved among my classmates. A rugged, (and dare I say sexy?) pilot flying through the skies is suddenly caught in a storm! His engine catches on fire, his airplane nosedives on a sure path directly to the cold, harsh seas but then… a baby!?

It’s fairly simple story that works well, subverting expectations on a dad feeding his baby some food, pretending it’s a little plane so the baby actually eats it.

The team made a point to put communication and a healthy work ethic as a key part of their group’s core. They took care of each other, set ground rules, made sure they were getting enough sleep, all to ensure a good working environment.

The ident used a blend of CGI and 2D in a subtle way. The airplane itself was animated in Blender and essentially rotoscoped in 2D later down the pipeline. Work smarter, not harder, folks.

Don’t tell anyone, but my sources (the director himself, SHH!) told me that his laptop broke down mid-production. One day we were at his place playing games on it, the next the screen wouldn’t turn on anymore. With no cloud backups of any sort, it seemed like a chunk of their ident had gone missing! Luckily, he managed to get it fixed. Phew! A good reminder to back up project files on the school’s servers or a personal cloud storage. Or both, probably both is good.

Even though the team had a healthy work ethic it was still hard for them to stay healthy in the physical sense. During the presentation they showed this humorous slide ranking how often a member of the team got sick. Except for one member who outstood them all… The Mighty Suwoo.

Everyone tried learning new things during the production of the ident and they all seemed pleased with themselves by the end of the project. Personally, I learnt something new too, as Jürgen gave some surprisingly detailed feedback on the design of the plane. What kind of life has he led as to know so much about planes…?

Space Girls

«Space Girls» (dir. Mélina Bron, Yuliia Bykova , Daniel Neto Dias) is about space divas competing with each other in a dancing game, only to lose to someone who’s not even trying. If you’ve ever played Just Dance you might find this one relatable.

Heavily inspired by a captivating Y2K aesthetic mixed with a retro futuristic style from the 70s, this ident is seriously stylish. You can gleam a lot from its inspirations from Sailor Moon, Bratz to that Angelina Jolie fish from Shark Tale, they really made sure to go all the way to nail down the vibe.

As mentioned earlier, there is a collaboration with the ZhDK for these idents and the filmmakers here used it to their full advantage. They went from a song that «sounded like a The Weeknd song» to an instrumental that feels like it could’ve been lifted straight out of a Britney Spears album.

The animated dance choreography is nothing short of impressive, though sadly, this short wasn’t finished yet at the time of the presentation, and two of the three people in the team were now in an exchange in Singapore. I hope they manage to finish the ident despite the differing time zones because just like the space girls, it has the potential to be a star.

Fastest Way to Bingo

And at last but not least we have «Fastest Way to Bingo» (dir. Julia Flor Estrada Torres, Touka Fatemi, Della Miranda, Jiwoo Yoon), a fully stop-motion animated ident about a grandma who’s dead set on arriving to bingo as fast as possible, even if it means trespassing the law…

Anything that is stop-motion is like catnip to me. As someone who experienced it during my studies here, I have nothing but respect to those that are dedicated enough to commit to it. There is a ridiculous amount of work involved in making a stop motion film and just hearing them talk about their production had me and others reminiscing about our own time down in the «mines» (our «affectionate» name for the Blackbox where the stop-motion films are shot).

The team had complications building the puppets as Touka showed us pictures of the handful (heh) of hands she made for the main character, only to realize they didn’t really need them. Though some parts of the process were hard, others were sped up significantly by using new techniques such as laser cutting, used in the final film to create an authentic looking metal bridge.

The look of the ident was very grounded, therefore the main subway set had to match as well. As the set designer talked about the challenges of building miniature, tiled, ceramic walls some of my classmates groaned empathetically as the memories of doing the exact same thing for their own film returned to them.

All teams made some excellent projects! Their presentations, detailing the process behind each ident, were an excellent way for us first years to learn from.

So… what did we learn?

Dream big!

Communicate!

Foster a healthy work ethic!

Plan ahead. Do LOTS of planning ahead.

Maybe for next time they’ll get another first year to write about me and my classmates’ very own SEP.

P.S. And if she’s reading… Love you, Kathy! (Hope this ages like wine and not like milk haha…ha)

Diesen Februar wurde zum ersten Mal der „Living Lines Workshop“  – ein Vertiefungskurs für 2D Animation – an der Hochschule Luzern Design & Kunst durchgeführt, und zwar von zwei Alumni: Amélie Cochet und Louis Möhrle, aka Studio PIAF. Wie kam dieser Workshop zu Stande und wie war die Woche für die Beteiligten? Wir baten Amélie und Louis, uns ihre Erfahrungen zu schildern.

“Die Idee entstand während des Filmfestivals Locarno an einem späten Abend. Sie gärte aber schon lange in unseren Köpfen – bereits während den drei Jahren unseres Studiums in Animation wünschten wir uns sehnlichst eine 2D Version der LUMAA. Als dies auch im Sommer nach unserem Abschluss noch in den Sternen zu stehen schien, entschieden wir uns – noch nicht ganz so ernsthaft – einfach selber eine „2D LUMAA“ auf die Beine zu stellen.

Wir fingen damit an, mit unserer Idee auf verschiedene Leute aus der Schweizer Animations-Szene zu zu gehen und waren überrascht, wie viele uns darin ermutigten oder uns sogar ihre Hilfe anboten; es schien tatsächlich ein allgemeines Bedürfnis zu sein.

Also begannen wir damit uns ernsthafter damit auseinanderzusetzen: wir überlegten uns was wir an Infrastruktur und Lehrpersonen brauchten; wo, wann und wie das Ganze stattfinden sollte und wie wir es finanzieren könnten. Ein anderer Aspekt war, herauszufinden, wie wir das Interesse der Leute dafür wecken; wer unsere Zielgruppe ist; was wir persönlich davon erwarten und wie wir die Werbung möglichst weit streuen könnten. Wir verfassten eine Konzeptskizze und gingen auf die Abteilungsleiter des BA Animation an der HSLU zu, die uns ebenfalls in unserem Vorhaben bekräftigten und sofort ihre Unterstützung zusagten.

Schliesslich hatten wir alles zusammen: Dozierende, Räumlichkeiten, Materie, einen groben Zeitplan und einen Wochenaufbau. 

Die erste Ausführung war ein Erfolg – es wurde viel gelehrt und gelernt, gelacht und ausprobiert. Wir haben den einwöchigen Kurs in verschiedene Themen gegliedert und diverse Aufgaben zur Verfügung gestellt, aus denen die Teilnehmenden eine passende auswählen konnten, mit der sie sich während der Woche zu den unterschiedlichen Themen auseinandersetzen konnten. 

Frederic Siegel (links) und Veronica L. Montaño (rechts) machten als Dozierende den Einstieg in die Materie und gaben am Montag und Dienstag Inputs und Feedback zu den Themen Staging, Keyframes und Characterdesign. Weiter ging es am Mittwoch und Donnerstag mit Justine Klaiber und Nino Christen, die Acting, Lip Sync und Basic Animation unterrichteten und den Teilnehmenden individuelles Feedback auf ihre jeweiligen Szenen gaben. Zu guter Letzt gab Etienne Mory am Freitag den Teilnehmenden Feedback und Einblicke in das erstellen eines Tie Downs und in verschiedene Aspekte der 2D FX Animation. Am Samstag profitierten die Teilnehmenden von der Infrastruktur und konnten frei und nach Belieben an ihren Szenen weiterarbeiten. Den Abschluss machten wir alle zusammen am Sonntag mit einer Kino-Session, wo wir die entstandenen Projekte sehen und kommentieren konnten. Wir beendeten den Kurs schliesslich mit einer ausführlichen Feedbackrunde auf die ein kleines Apéro und gemütliches Beisammensein folgte.  

Mit dem Elan, den wir nun nach dem ersten Kurs haben, setzen wir uns gleich an die Planung der nächsten Durchführung im 2021. Da wir bester Zuversicht sind, dass der „Living Lines Workshop“ jährlich durchgeführt werden kann und sollte – werden wir alles daran setzen, eine angemessene Dauer gewährleisten zu können und den Kurs auf die Spitze der Professionalität zu treiben, damit die Teilnehmenden in Zukunft maximal davon profitieren können. Wir haben bereits Pläne für den nächsten Kurs und Ideen, wie wir diese umsetzen und finanzieren können.

An dieser Stelle danken wir noch ganz herzlich den Dozierenden der ersten Ausgabe: Veronica L. Montaño, Justine Klaiber, Etienne Mory, Nino Christen und Frederic Siegel! Sie waren mit grossem Engagement, Kompetenz und Begeisterung am Werk – es war eine wahre Freude mit ihnen! Auch den Teilnehmenden des ersten Kurses ein herzliches Dankeschön für euer Vertrauen und eure Rückmeldungen, es hat uns sehr gefreut, zu sehen wie motiviert ihr an der Arbeit wart!

Wir würden uns freuen, bei einer nächsten Ausgabe wieder begeisterte Animatorinnen und Animatoren an Bord zu haben, die mit Begeisterung Neues lernen und diese Plattform für ihre persönliche Weiterbildung und Vertiefung in der Kunst der 2D Animation nutzen wollen.

Informationen zur nächsten Durchführung wird es in baldiger Zukunft auf diversen Kanälen geben. Ihr findet den Living Lines Workshop auf Instagram und Facebook, folgt uns dort, um immer auf dem neuesten Stand zu bleiben und Einblicke in den ersten Kurs zu erhalten!

Bleibt gespannt und geschmeidig

Herzlich
Louis Möhrle & Amélie Cochet 
aka Studio PIAF

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Willkommen zum Puppenbau-Workshop! Hier basteln sich diejenigen Zweitsemestler, die Stop Motion als Vertiefung gewählt haben, ihre Puppen. Julie Pelckmans hat mich bei ihrem Arbeitsprozess in der Werkstatt über die Schulter schauen lassen.

Erst hat Julie ihre Figur entworfen, ein Metal-Chick, und sie dann aus Monster Clay modelliert. Von diesem Modell goss sie dann ein Negativ aus Zement, mit dem dann wiederum das Positiv hergestellt werden kann.

In dieses Negativ wird eine Armatur hineingelegt und mit Schaumlatex eingepackt. Dieses kleine Skelett aus Stahlstäben und winzigen Gelenken hat Julie zusammengebaut, was Fingerspitzengefühl erfordert. Die Gelenke müssen natürlich beweglich sein, jedoch trotzdem so gut fixiert, dass sich die Puppen nicht von alleine bewegen. Zusammen mit der Hilfe und dem Know How von Irmgard Waltert und Adrian Flückiger kann man jedoch zuversichtlich sein, dass alles so sitzt, wie es soll!

Nach dem Rohbau kommen die Feinheiten: Die hellgelbe Schaumlatexpuppe erhält ein bisschen Farbe und auch endlich die Kleider, die sich Julie in der Designphase ausgedacht hat. Natürlich gibt es auch einige kleine Adaptionen; so ist das Metal-Chick jetzt dank den Schaumlatexlöchern zum Zombie erklärt worden (:

Nun ist die Puppe bereit, um animiert zu werden, und ich bin schon gespannt auf die Stage-Moves der etwa 25cm hohen Puppe!

Vielen Dank an Julie für den Einblick in die Stop Motion Werkstatt, ich freue mich auf die folgenden Animationen!

Text: Rhoda Berger

Fotos: Julie Pelckmans & Rhoda Berger

Workshop with Robert Bennett

The third semester students had the honour to have a two-day acting workshop with Robert Bennett for our contract works (TedX Basel, Museum Baden, Swiss Television, Cartoon Network).

Robert Bennet is from Mississippi, Alabama (US), which is rather funny since he looks and sounds very British. Maybe his stay in France at the École de Mime Corporeal Dramatique de Paris in 1984 to study mime has something to do with that.

He has created workshops in Corporeal Acting for Animation to help schools and production studios with the acting of their characters. Apart from that, he usually performs in performing spaces or art galleries.

Robert also does workshops in other schools like The Animation Workshop and Les Gobelins. He also holds this workshop at different companies such as Disney in France or Warner Brothers Feature Animation in the US. On those trips he’s met people like Richard Williams (The Animator’s Survival Kit), James Baxter and Glen Keane (both from Disney).

In the workshop we did a lot of different excercises. Most of them had to do with expressing ourselves.

One of the exercises was trying to get your partner to do a certain move or pose. But you could only say the word ‘ding’ when he was close. It certainly was a fun experience for us.

After the lunch break we even had a little yoga session to get our brains going again. We also did the classic trust experiment. Letting yourself fall backwards and hoping your partner will catch you.

Facts About Him

When we asked him what he felt the most important characteristic of a good director was, Robert told us that it was the capacity to listen.

His favourite movies and directors:

• Sexy Beast (Jonathan Glacier)
• American Beauty (Sam Mendes)

His teacher was Étienne Decroux but the person inspiring him to be interested in everything was David Bowie.

Facts about Acting

The acting happens from the torso. Our arms and legs are just attachments (for animators: overlapping action).

His master Étienne Decroux says that there are “five levels of consciousness”.

We did an exercise for that. All we needed was a chair.

1. Sit in the chair, closed eyes, totally relaxed
2. Open your eyes slowly, blink a lot
3. Open your eyes completely
4. Straighten up
5. Stand up
6. Walk towards the class and say your name loud with a smile.

Platon: «Where we look says what we think»

You cannot separate your emotions from your body language.

Charles Darwin already wrote about micro mimic.

Paul Ekman also explored micro mimic. Together with W.V. Friesen he created the Facial Acting Coding System (FACS). He also wrote a book about how to lie. He also helped as a scientific adviser for the series «Lie to Me». And he also worked with Pixar for «Inside Out».

– Leoni Dietrich –

Pictures: Jane Mumford, Leoni Dietrich

Musiker finden

Die Auftragsarbeiten im 3. Semester sind, wie ihr ja schon öfters lesen durftet, im vollen Gange. Aber ein guter Film ist nur halb so gut ohne Musik! Deshalb hat sich das dritte Semester zusammen mit Thomas, unserem geschätzten Sounddozenten, auf nach Zürich gemacht.

Angekommen im Toni-Areal gingen wir gleich ins Kino der ZHdK. Dort trafen wir die Musiker. Jede Gruppe hat kurz ihr Projekt gepitcht, um den Musikern einen Überblick zu geben, womit sie es überhaupt zu tun haben.

Bei einem anschliessenden Bier kamen Musiker und Animatoren ins Gespräch, sodass sich dann auch gleich die Gruppen bilden konnten. Die meisten Musiker wussten genau was sie wollten und sind zielstrebig auf Projekte zugegangen. Nicht alle Gruppen fanden gleich an diesem Abend einen Musiker, doch inzwischen wurde für jedes Projekt jemand gefunden, der/die die Musik schreibt.

Diese sind jetzt beschäftigt damit, das Musik-Layout (grobes Musikkonzept) für die Filme herzustellen. Denn schon bald ist der Picture Lock und dann darf am Timing der Animation nichts mehr geändert werden! Uiii uiii uiii! Aber auch hier sind wir zuversichtlich, dass wir das hinbekommen.

Und sonst sind bis dahin sicher noch einige Nachtschichten möglich!

– Leoni Dietrich –

 

Fotos: Eline Muys & Leoni Dietrich

Cinzia Angelini

Cinzia Angelini ist eine energiegeladene Frau, die schon seit über 20 Jahren im Animationsbuisness mit dabei ist. Begonnen hat Sie mit der klassischen Animation und später arbeitete Sie auch in der 3D Animation. Noch dazu kommt, dass Sie Story Artist ist.

Die talentierte Powerfrau hat uns kürzlich an unserer Schule besucht, um dem fünften Semester ein kurzes Feedback zu den Auftragsarbeiten zu geben und ihren neusten, fast fertigen, animated Short Film „Mila“ zu präsentieren.

Nachdem Sie eine Zeit in London und München für Amblimation (Produktionsfirma von Steven Spielberg) und Warner Brothers gearbeitet hat, macht Sie sich auf nach Amerika um für Dreamworks zu arbeiten. Ihr Weg führte sie durch viele verschiedene Kollaborationen mit all den grossen Studios in Hollywood. Es handelt sich dabei um Firmen wie: Sony Imageworks, Walt Disney Animation, Warner Brothers, und Illumination Entertainment.

Daraus resultieren Filme wie: “Balto,” “Prince of Egypt,” “Eldorado,” “Spirit,” “Sinbad,” “Spider-man 2″ (Best Visual Effects Oscar Winner, 2005), “Open Season,” “Meet the Robinsons,” “Bolt,” “The Minions Movie” und “Despicable Me 3” und “Minions Mayem”.

Momentan ist Cinzia Angelini mit ihrem eigenen Projekt beschäftigt. Sie ist Autorin und Regisseurin von ihrem 40 minütigen Short „Mila“. Dazu unten mehr.

Quelle

Mila

Im Karussell drehend, sitzt das glückliche Mädchen Mila. Alles ist farbig, alles ist fröhlich, die Welt ist heil. Plötzlich kippt die Stimmung. Alles wird zu braunen Trümmern. Wir sind in Trento Italien 1943, Bomben schlagen ein, das Karussell ist zerstört und auch Milas Kindheit.

So beginnt „Mila“ der Film. Mila ist die Geschichte von Cinzia Angelinis Mutter. Die Geschichte spielt in Italien während der Mussolini-Herrschaft im Zweiten Weltkrieg. Es handelt sich dabei nicht um einen politischen, historischen Film, sondern um ein Portrait der Leute aus dieser Zeit. Es werden keine Soldaten gezeigt und die Kampfflugzeuge sind neutral gestaltet.

Der Prozess

Die Produktion von Mila startete 2010. Speziell an dem ganzen Film ist, dass er mit 250 freiwilligen Mitarbeitern aus 25 Ländern gemacht wurde. Doch diese Leute versammelten sich nicht an einem Ort, sondern kommunizierten über Skype, Slack und tauschten Daten aus über einen Server. Also ob diese Herausforderung schon nicht genug wäre, gab es auch noch sprachliche Schwierigkeiten.

Trotz der anspruchsvollen Organisation, wurden alle Produktionsschritte gekonnt durchgeführt.

Der Film wird ohne Dialog gehalten, um universal zu sein. Das ist auch der Grund für den Namen Mila. Mila ist in vielen Ländern bekannt und aussprechbar. Mila ist nicht nur der Charakter, der Cinzias Mutter verkörpert. Sie verkörpert vielmehr die Zivilbürger die im Krieg zu Leiden hatten.

„It is important to belive in your work“ – Cinzia Angelini 2017

Ein weiterer schwieriger Part am ganzen war, dass Angelini viele Charakter wollte für Menschenmengen. Das heisst auch viele Characterdesigns. Man riet ihr zwar davon ab, doch das hielt Angelini nicht auf.

Ein guter alter Tipp hierbei ist; bei einem bereits vorhandenen Charakter Farben oder Accessoires zu verändern.

Cinzia hat das Storyboard nicht selber gemacht. Emanuela Lozzi, eine Storyboarderin bei Laika, übernahm diesen Part. Cinzia Angelini empfiehlt es auch anderen, das Storyboard nicht selber zu machen, wenn man die Geschichte schreibt, weil man dem Thema oft zu nahe steht. Der Storyboarder kann die Geschichte mit Abstand betrachten und sieht es aus einem anderen Winkel.

Die Recherche

Was Angelini wie auch so viele andere erfolgreiche Persönlichkeiten im Business immer wieder betonen, ist die Wichtigkeit der Recherche!

Für den Film wurden viele alte Bilder von Trento angeschaut. Besuche vor Ort gehörten auch dazu. Es ist sehr wichtig, dass die Lokalitäten auch eine Bedeutung haben. Das verleiht dem Film eine starke Stimmung.

Natürlich war es bei der Materialbeschaffung eine grosse Hilfe, dass Angelinis Protagonistin ihre eigene Mutter ist.

Technische Angelegenheiten

„Don’t make a scarf!“ – Cinzia Angelini 2017

Es ist eines der schwersten Accessoires überhaupt. Besonders einen so luftigen wie Mila ihn trägt. Gebt also beim Filmgucken Acht auf den Schal. Es ging viel Arbeit in das flauschige Kleidungsstück.

Auch einer der schwersten Angelegenheiten waren wenig überraschend die Rigs. Ein Rig ist das Skelett der Figur. Damit kann man das starre Model bewegen.

Jetzt kommen wir zu einem „nerdigeren“ Part. Digital Matte Painting ist eine geniale Software. Damit wird eine 2D Malerei auf 3D projiziert. Also kein Modeling, die Kamera darf jedoch nicht zu stark bewegt werden. Diese Software ist ideal für wide shots für Städte. Angelini meinte, sie hätte es gerne öfters angewandt.

Warum CGI und nicht 2D?

Bei „Bolt“, damals noch mit dem Arbeitstitel „American Dog“, wurde viel mit unterschiedlichen Renders experimentiert – Render ist das Herausspielen des Filmes, um ihm den finalen Look zu geben. Dabei kamen viele gute Stile heraus. Angelini war inspiriert davon und entschied sich deshalb später bei ihrem Projekt auch für die 3D Technik.

Oft hinterfragte Sie sich jedoch selbst in ihrer Entscheidung. Am Schluss kann Sie jedoch sagen, dass es die richtige Wahl war.

Als kleiner Trost für 2D Liebhaber sind die End Credits in 2D gemacht worden. Es handelt sich dabei um einen alten Still der Illustration (mit einer Papierstruktur im Hintergrund).

 

„Mila“ wird bald fertig sein. Cinzia Angelini hat bewiesen das man einen High Quality CGI Film mit unterschiedlichsten Menschen an unterschiedlichsten Orten machen kann. Stimmt die Motivation und die Organisation, so wird auch das Resultat stimmen!

 

Vielen Dank Cinzia Angelini!

–Leoni Dietrich–

 

Mini Credits

Nur ein Bruchteil der Leute die Angelini während ihres Vortrages erwähnt hatte.

Tätigkeit	Name	Firma	Info	Land
Storyboarder	Emanuela Lozzi	Laika
Musik	Flovio Gargano
Painting	Alexandra Kavalova			Canada
Character Design (Mila)	Luisa Grane		Hat Angelini kennengelernt bei Dreamworks War zuerst Animator, jetzt Characterdesigner	USA/Argentina
Modelling Mila	Philippe Brochu	Dreamworks		USA/Canada
Modelling Texturing	Ruchita Jewal		Modellt und texturierte Angelinis lieblings Prop: Cuckoo Clock
Visuall Story	Bruce Block
Lighter	Geoffrey Duch			Frankreich

 

 

 

Im Schnelldurchlauf durch den Prozess

Nachdem Bin-Han To uns beehrt hat, ging es für die 3. Semestler mit den Briefings von den Koperatinspartnern los. In diesem Jahr sind das: „TedX Basel“, „Historisches Museum Baden“, „Schweizer Fernsehen (SRF)“ und wie immer „Cartoon Network“.

Nach dem Briefing konnten wir uns ein Bild über die Ideen der Organisationen und ihren Vertretern machen:

 

Kurzfassung Briefing

TedX Basel möchte etwas möglichst kurzes (10sec. wenn möglich), dass etwas mit einer Idee zutun hat. Hayes Ford von TedX lässt uns viel Freiraum und zeigt grosses Vertrauen und Begeisterung für die Zusammenarbeit mit unserer Schule.

Das historische Museum Baden ist zum Ersten mal dabei. Dominik Sauerländer wünscht sich einen Spot von etwa einer Minute zum Thema Mimik. Auch hier zeigt Dominik Sauerländer grosse Motivation und ist auf die Resultate gespannt.

SRF ist auch zum Ersten mal an Board. Martin Schild ist mit einem besonderen Wunsch zu uns gekommen. Er hätten gerne einen 360° Film. Da noch sehr wenige mit so etwas gearbeitet haben, werden wir von unser Dozenten Francois Chalet und Christophe Merkle, der vor einem Jahr seinen Masterfilm in diesem Format gemacht hat unterstützt. Die Dauer des Films ist wegen der neuen Technik noch unbestimmt (Spoiler Alert: Es wird 360° Stopmotion Filme geben!).

Auch Cartoon Network ist dieses Jahr wieder mit dabei. Seit 2010 ist der Fernsehsender jedes Jahr bei unserem Projekt mit von der Partie. Ihr Thema dieses Jahr ist Fussball, weil ja bekanntlich nächstes Jahr WM ist. Bei Gerhard Wolf merkt man, dass er das schon öfters gemacht hat. Er kann uns so schon viel Infos geben, was geht und was nicht.

Während und nach den Briefings haben wir Ideen gesucht. In der nächsten Woche ging es um die Wurst. Ideen werden konkretisiert, erste provisorische Teams gebildet und Factsheets erstellt. Jeder möchte natürlich, dass seine Idee beim Pitch durchkommt und so haben alle auf Hochtouren gearbeitet.

Das Factsheet dient dazu einen Überblick auf das jeweilige Projekt zu geben. Folgende Daten sind auf unseren Factsheets vermerkt:

Arbeitstitel, Namen der Ideenfinder, kurzer Beschrieb der Handling, Story in 6 Panels und ein paar Moodbilder.

All das auf einem A4 Blatt. Dazu kamen noch ein paar Characterdesigns und etwas Konzeptart von den ganz Fleissigen.

 

Der Pitch

Factsheets, Characterdesigns und Konzeptart hängen an den Wänden. Orange Punkte werden darauf gepresst oder auch nicht. Es ist endlich soweit, es kommt jetzt aus, welche Ideen es in die Umsetzung schaffen und welche nicht. Von den geschätzten 20 Ideen können 10, allerhöchstens 12 Filme in dieser kurzen Zeit produziert werden. Jeder der Teilnehmer der Abstimmung bekommt drei Orange Punkte. Ob Dozent Student oder Jürgen, jeder darf nur einen Punkt pro Idee vergeben.

 

Teamfindung

Nachdem geklärt worden ist welche Ideen die beste Ergebnisse ergattert haben, werden die Teams gebildet. Die ganze Klasse seht vor dem Whiteboard auf dem die Ideen stehen. Für einige ist klar in welches Team sie gehen, für die meisten aber nicht. Jochen, der für das Projekt zuständige Dozent, hat uns alleine gelassen und nun stehen 26 ratlose Gesichter vor dem Whiteboard, auf dem ausversehen mit wasserfestem Filzstift geschrieben wurde.

Nachdem der Nachmittag zuneige ging haben sich 90% der Teams gebildet. Ein wichtiges Kapitel im Auftragsprojekt ist abgeschlossen.

 

Storyboards und Animatics

Christian Puille – was hätten wir nur ohne Christian Pullie gemacht. Er war uns eine riesen Hilfe beim Storyboarden. Möchtet ihr mehr über das Christian wissen dann hopp zu diesem Blogpost. Die Storyboard Woche war im Flug vorbei. Erste Konzept Art und die ausgearbeiteten Storyboards wurden an die Koperationspartner gesendet. In der darauffolgenden Woche, gab es neben dem erarbeiten der Animatics auch erste Feedbacks der Partner via Skype. Und dann beginnt auch schon die erste Umsetzungsphase.

 

Die Umsetzung

Momentan ist die Umsetzung der Projekte im vollen Gange. Die 2Dler und Stopmotioner sind mit dem 2D-Layout beschäftigt, 3Dler beschäftigen sich mit modellieren und rigging. Im Januar müssen die Filme stehen. Dann kann Thomas Gassmann mit dem Souddesign loslegen. Und das Semester ist dann auch wieder schon vorbei.

Ihr hört also bald neues zu den Filmen.

–Leoni Dietrich–

 

 

 

Christian ist schon seit vielen Jahren Storyboard Artist. Er hat unter anderem an Werken gearbeitet wie: „Room on the Broom“ (2012), Ted Sieger’s Molly Monster (2016) und Werner – Das muss kesseln!!! (1996). Bescheiden und mit grossem Interesse an unseren Arbeiten, lehrte uns Christian in einer kurzen aber sehr lehrreichen Woche das Storyboarden. Ich habe mich am Ende der Woche mit ihm zusammengesetzt um mit ihm über sich und seine Karriere zu reden. In seiner Karriere durfte er viele spannende Leute kennenlernen, einige davon sind im Text vermerkt und verlinkt, nachschlagen empfehlenswert!

Christian Puille, wie alles begann

Mit dem grossen Wunsch eines Tages Comic Artist zu werden, studierte Christian Kommunikationsdesign 1986 in Augsburg. Während seines Studiums machte er noch ein Austauschjahr in Belfast. Seine Bachelorarbeit war dann auch eine Graphic Novel. Damals war Lorenz Mattotti sein grosser Star. Lorenzo Mattotti ist ein italienischer Comiczeichner und Grafiker.

Christian nahm dann an einem Workshop in Urbino (Italien) teil, den Lorenzo Mattotti führte. Tatsächlich vermittelte Mattotti ihn dann an eine Firma (I.M.). Er bekam dann auch einen Vertrag. Den Vertag hat er mit Mattottis Agenten, Paul Dérouet in Hamburg, abgeschlossen.

Leider stellte sich da heraus, dass Christian nicht ganz an die Fähigkeiten der grossen Comickünstler herankommt.

Was jetzt?

Der Film “Felidae” ist von Michael Schaack (Regie), dessen Studio schreibt sich “Trickompany“. Akif Pirincci hat die Romanvorlage dazu geschrieben.

Darauf hin jobbte er ein Jahr als Illustrator. 1993 konnte er als Praktikant an seinem ersten Film „Felidae“von Michael Schaack (Regie). Akif Pirincci hat die Romanvorlage dazu geschrieben. Die Firma in der das ganze statt fand hiess “Trickompany”.

Zusammen mit seinem Praktikumskollegen hat er viel geputzt und Kopien gemacht. Seine erste zeichnerische Aufgabe war es dann Türen zu zeichnen. Das hat er so gut gemacht, dass man beschloss, im das Layout zeichnen beizubringen. Marc Marren war da sein Layout Supervisor.

Am Ende der Geschichte des Filmes gab es eine riesen Explosion. Durch Zeitdruck hat die ganze Firma an dieser Explosion gearbeitet. Jeder und jede animierte wegfliegende Teilchen. In diesem Tumult lernte Christian John Cousen kennen. Durch diese Begegnung hat es Christian nach London verschlagen. Dort konnte er als VFX Assistent Wasser animieren, was ihm sehr gut gefiel.

1994, wieder zurück in Hamburg, wieder zurück bei Trickompany. Eines Tages kam der Chef vorbei und sagte, dass dem, der gute Figuren und Räume zeichnen kann, dem bringen sie das Storyboarden bei. Mit Christian wurden drei Leute das Storyboarden beigebracht.

Weiter ging es dann mit der Serie Loggerheads. Christian durfte Storyboard Assistant sein. Das heisst so viel wie: Er kontrollierte ob der Charakter immer den richtigen Hut auf hat. Nachdem ein wenig Zeit vergangen war, durfte Christian eine eigene Episode Storyboarden. Dazu bekam er einen Supervisor Marc Gordon-Bates und anstelle der üblichen fünf durfte er sich 20 Wochen Zeit nehmen. Seine zweite Episode stellte er schon deutlich schneller her.

Um etwa 1996 machte Christian noch am Film „kleines Arschloch“ mit. Der Film basiert auf der gleichnamigen Comicserie von Walter Moers. Regie führte Michael Schaack.

Auf nach Dänemark!

Danach geht es bereits wieder weg von Deutschland und auf nach Dänemark. Über Matthias Lechner – ein deutscher Artdirector und Animationsfilmer, der u.a. bei Zootopia mitarbeitete – gelangte Christian 1997/98 nach Kopenhagen zu „A Film“.

Christian stellte sich vor und „A Film“ nahm ihn auf, aber er durfte noch keine Feature Filme machen. Also machte er hauptsächlich Layouts für Serien für Vorschulkinder.

Bei einem Layout zeichnet man die Storyboard Skizzen rein: Hintergründe, Posen schön zeichnen, Kameraanweisungen und Zeit und Bewegungen vermerken.

Für die Serie Benjamin Blümchen hat er dann „ge-storyboardet“, Set Design und Character Model Sets gemacht. Christian war in einigen Folgen verantwortlich für das Design, also eine Art „Art Director“.

Mit seiner neuen Erfahrung ist Christian dann 1998 wieder zurück nach Deutschland gereist.

Der Stand der Dinge

Heute arbeitet er in einer Ateliergemeinschaft mit Verbindungen zu Kopenhagen, ganz Skandinavien und Süddeutschland. Sein Aufgabenbereich umfasst vor allem Werbejobs und macht manchmal auch Packaging Design (illustrativ). 2008 hat er an Gruffalo gearbeitet und später 2010 an Gruffalo’s Child.

Schon bereits 1996, nach zwei Jahren Storyboarding, dozierte er den ersten Kurs in Deutschland zu Storyboards, was er bis heute noch macht. Florian Wagner war Student an der Filmakademie und Praktikant bei der Trickompany, er hatte die Idee, dass Christian an der Filmakademie einen Storyboarding Workshop machen soll.

Einige der späteren Gründer von Studio Soi hat er an der Filmakademie Baden-Württemberg während seines ersten Storyboard-Workshops 1996 kennengelernt:

Jakob Schuh, Klaus Morschheuser, Michael Sieber und Torben Meier. (Weitere Gründer waren: Carsten Bunte, Matthias Schreck und Saschka Unseld).

Noch mehr zu „Revolting Rhymes“!

Übrigens hat Christian auch 6 Wochen für Revolting Rhymes das Storyboard gemacht. Dieser Film fand bereits im Beitrag über Bin Han To Erwähnung. Wie ihr sehen könnt haben aussergewöhnlich talentierte Menschen daran gearbeitet. Hinzu kommen noch Nadya Mira (Konzept Art), Ben Bouequellet (Erfinder Gumball), Aurelien Predal (Color Scripts), Jakob Schuh (Gründer Studio Soi und Regisseur)

Also los geht’s, Revolting Rhymes schauen!

Noch ein paar letzte Worte

Wie ihr lesen könnt hat Christian viel gearbeitet und sich ein reiches Netz an Bekanntschaften zurechtgelegt.

Zum Schluss sagte er es gäbe zu wenig Nachwuchs im Bereich Storyboard. Er sieht das zumindest in Norddeutschland so. Christian ermutigt zum Storybording! Nach unserem Workshop ist er auch gleich nach Dänemark geflogen, um sein Wissen auch beim „The Animation Workshop“ weiterzugeben.

 

Im Endeffekt kann ich nur festhalten, dass ich hoffe, dass Christian nächstes Jahr wiederkommen kann und bedanke mich im Namen der HSLU für seine immense Leistung!

–Leoni Dietrich–

Bilder: Revolting Rhymes

Bin-Han To

 

Einführung Auftragsarbeit im 3. Semester!

Zur Einführung der Auftragsarbeit befassen wir uns mit Concept Art. Ihr kennt diese Arbeiten sicher vor allem durch die Cartoon Network Clips, oder fleissige Blogleser anhand von diesem Beitrag ;).

Hierfür ist Bin Han-To als Gastdozent zu uns gestossen. Bin-Han To ist freischaffender Animation-Regisseur und Visual Development-Artist. Er ist von Deutschland, wo er auch seinem Abschluss bei der Filmakademie Baden-Württemberg gemacht hat.

Wir wurden also von einem Fachmann in die Materie eingeführt.

 

Was haben wir gemacht?

Bei dieser Art Auftragsarbeit findet normalerweise zuerst ein Briefing der jeweiligen Auftraggeber statt. Anhand von diesen Briefing kreieren wir Ideen. Da wir dieses Jahr aber ohne Briefing begonnen haben, sondern mit Concept Art, war die Ideenfindung viel offener. Zu Beginn sammelten wir einfach mal Bilder, die uns in irgendeiner Weise gefielen.

Nachdem wir einem Bilderpool aus Internetbildern und Bibliotheksbücher erarbeitet hatten, ging es erst richtig los. Denn jetzt kommt der schwere Teil.

Wir mussten unsere Sammlung reduzieren und mit der Auswahl ein Moodboard erstellen. Ein Moodboard ist eine Bildersammlung auf einem Blatt, die Farbe, Stil, Stimmung, Design und vieles mehr über ein Projekt aussagen kann.

Anhand von diesem Moodboard haben wir uns eine Geschichte überlegt. Normalerweise hat man zuerst eine Idee und macht dann das Moodboard.

Als Nächstes haben wir Skizzen zu unserer Idee gemacht. Unsere Resultate haben wir dann im Plenum besprochen.

Dazwischen gab es immer wieder Inputs zu Licht, Farbe, Komposition, Bildaufbau und Umgang mit Details.

 

Bin-Han To und „Revolting Rhymes“

Bin-Han To ist ein sehr motivierter und aufgestellter Dozent. Schade bleibt er nur für eine Woche!

Wir profitierten auch extrem davon, das Bin-Han To gerade Co-Director bei einem Special der BBC war. „Revolting Rhymes“ heisst der 2016 entstandene Film. Das Special basierte auf den Romanen des britischen Schriftsteller „Roald Dahl“. Das 60 minütige Spezial wurde zur Weihnachtszeit im Fernsehen ausgestrahlt.

Unsere Klasse durfte den Film im Unterricht zusammen mit Bin-Han bestaunen. Alle waren begeistert. Danach bekamen wir noch viel Concept Art, Character Design, Color Sheets und Entwürfe vorgeführt. Die Entstehung dieses BBC-Projekts dauerte circa zweieinhalb Jahre.

Solltet ihr einmal die Möglichkeit haben, den Film oder ein Artbook zum Film zu kaufen, dann tut es! Es loht sich sehr, ich kann es nur empfehlen.

Revolting Rhymes: Trailer – BBC One

 

Weitere Filme von Bin-Han To

• Die Prinzessin, der Prinz und der Drache mit den grünen Augen 2011,  Kurzfilm/Animation, 7 min

• Noise Pollution 2011, Kurzfilm/Animation, 1 min

• Ophelia: Love & Privacy_settings 2013, Kurzfilm/Komödie, 4 min

 

Weitere Links

Und ich habe ganz viele spannende Links für euch gefunden. Werft doch einen Blick darauf:

• Bin-Han Tos Blog
• Bin-Han Tos Portfolio/Website
• Bin-Han Tos Showreel 2013
• BBC Homepage zu Revolting Rhymes

 

• The Present (2016)

Abschlussfilm von Jacob Frey basierend auf dem Comicstrip von Fabio Coala

Bin-Han To hat hier am Visuelle Development mitgearbeitet

 

• The Artists Behind The Present

Interview mit Jacob Frey

Nach seinem Erfolgreichen Film hat er es bis zu Disney geschafft und traf nachher wieder auf Bin-Han To, bei der Zusammenarbeit an “Revolting Rhymes”. Er war da Animation Supervisor. Lest die Details im Beitrag.

– Leoni Dietrich –

 

 

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Diesen Sommer findet zum zweiten Mal die Lucerne Masters Academy of Animation statt. Durchgeführt wird der sechswöchige 3D-Animations-Workshop von und an der HSLU in den Räumlichkeiten des Animationslehrganges. Studenten die sich mit ihrem persönlichen Showreel beworben haben und angenommen wurden, dürfen an diesem Kurs teilnehmen.

Profis aus allen Winkeln der Welt kommen nach Emmenbrücke um den wissbegierigen Studenten das Animieren beizubringen. Die Dozenten sind von renommierten Firmen wie: DreamWorks, Pixar, ILM und Weta Digital.

Aber nicht nur die Dozenten nehmen einem weiten Weg auf sich, auch Studenten aus Potsdam (DE), Viborg (Dänemark) und Baden-Württemberg (DE) gesellen sich zu den HSLU-Studenten und Alumni, um von den Meistern zu lernen.

LuMAA Programm:

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Block 1: Back to the Basics

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1. Woche: 31. Juli – 4. August 2017
Character Walk
Simon Christen  &  K.C. Roeyer

 

2. Woche: 7. August – 11. August 2017
Close up acting shot / lip sync
Stefan Schumacher (Showreel)

 

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Block 2: Creature Animation shot

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3. Woche: 14. August – 18. August 2017
Part 1: Blocking
Michael Aerni (Showreel)  &  Lukas Niklaus  (Showreel)

 

4. Woche: 21. August – 25. August 2017
Part 2: Polish
Lukas Niklaus

 

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Block 3: Full Body Animation shot for Feature Animation

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5. Woche: 28. August – 1. September 2017
Part 1: Blocking
Jean-Denis Haas  (Vimeo)

 

6. Woche: 4. September – 8. September 2017
Part 2: Polish
Thomas Grummt (Showreel)

 

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Den Unterricht kann man sich in Etwa so vorstellen: Die Dozenten geben Inputs, danach können die Studenten das Gelernte anwenden und die Dozenten gehen währenddessen von Student zu Student um persönliches Feedback zu geben. Zwischendurch zeigen die Dozenten auch eigene Arbeiten oder Sachen, die sie inspirieren. Einmal, als ich gerade hereinspazierte, lief dieses Meisterwerk: “Lizzy — The chicken” Great ideas are everywhere.

Da es so viele unterschiedlichen Dozenten sind, ist in diesem Workshop nie ausgelernt. Es wird repetiert, vertieft und neues dazugelernt.

Nach dem Unterricht wird oft auch noch mit den Dozenten etwas unternommen. Bei schönem Wetter lassen die Studenten den Tag am Fluss ausklingen, schmeissen den Grill an oder gehen miteinander etwas Trinken. Einmal gingen sie sogar ins Kino, um mit Michael Aerni und Lukas Niklaus «War of the Planet of the Apes» zu schauen, an dem die Beiden mitgearbeitet haben. Connections werden geknüpft und das Animation Know-How wird verfeinert. Dozenten und Studenten sind auf einer Wellenlänge.

Showreels aus dem letzten Jahr

Die Studenten befinden sich momentan noch im Schlussspurt des Workshops. Wen das Endresultat aber jetzt schon wundernimmt, kann sich vom letzten Jahr zwei Showreels anschauen.

1) von Ramón Arango
Wer den Blog liest, weiss auch schon bereits um wen es sich hierbei handelt. Ramón schloss 2017 mit Proxy, den er zusammen mit Haidi Marburger und Nina Hoffmann machte, ab.

Ramon: Showreel LuMAA 2016

2) von Monika Jagodzinski
Monika schloss 2015 mit The Valley Below (Trail) ab, den sie zusammen mit Charmaine Bossert, Jonas Habermacher, Joel Hofmann, Matthias Huber und Dominic Lutz drehte.

Monika: Showreel LuMAA 2016

 

Wer noch mehr Infos möchte, kann hier auf den LuMAA Button gleich rechts oben vom Blogeintrag klicken.

Da gibt’s noch einen Videozusammenschnitt vom letzten Jahr und genauere Angaben zu den Dozenten.

– Leoni Dietrich –